Have you ever noticed that one sound can be a thousands others sounds ?
Just like if there was as many sounds as listeners

On january 12 th, this year
we were 13 in a room
we choose 16 sounds
we took 3 hours
and made 10 times 2 minutes of radio art
with those same 16 sounds

Before our eyes, a Joan Miro’s painting.
it’s called “le carnaval d’arlequin”

So there are shapes, colors,
and an ambiguous happiness tainted of fright in his characters,
You can’t tell if those characters are figures or animals

Anyway, we tried to hear the painting”

With Sophie Gergaud, Stéphane Garcia, Margot, Marjolaine Leclancher , Marianne Gaudillère , Izabela Matos, Cécile Préfol, Gary Salun, Kat Lucas, Julie Auzou, Laure Rodier, Damien Fourcot, Anne-Line Drocourt.

Cardes is a non-project expecting to recall some sounds here and there, depending on variable locations, playing sometimes tiny guitar stuff and sending all that material like virtual postcards.

Those Summer Sketches are based upon two different cards (here and there) from last august, completing with fragments of two conversations with Cardes’ grandmother (in 2006 and 2014) and Styx, a viola de gambe piece played by Benjamin Jarry.

Recording, playing & editing by Cardes.

Toy accordion & organ played by Misha

Styx played by Benjamin Jarry, recorded by Salomé Benoist for Jet fm, june 28th 2018

in loving memory of Jeannette Hamon (1926 – 2018)

Radiophonium

Please for this show, put your headphones !!!

What is binaural sound ? It’s a recording technique that try to reproduce the natural human hearing, created by our head and ears. This three dimensional acoustic experience is not a new idea, it’s been experimented since the 60’s. But it seems there is a new boom for binaural recordings…

With some musicians and dancers, we decided to experiment this binaural stuff, recording sounds simply using 2 little DPA microphones stuck in our ears in order to create new sensations to our listeners. This project is called RADIOPHONIUM. And here are some « work in progress » pieces extract from our experimental sessions.

Bon voyage…

1/ Drei Punkt #1 – (5’20) / by Anne-Laure Lejosne
Flutes: Juliette Faure
Cello : Soizic Lebrat
Danse : Alice Duchêne
Switching between Alice and Juliette’s ears.

2/ Dispositif BACH : Prélude
D’après le prélude de la 1ere suite pour violoncelle seul de Johann Sebastian Bach.
2 speakers and one cellist playing the Prelude with different speed and one dancer carrying the microphones in her ears. Can you hear the movement ?

3/ Cello à roue électrique et à archet & appeaux #1 – (4’46) / by Anne-Laure Lejosne
Roue électrique actionnée sur le violoncelle, doublée par 2 hauts-parleurs disposés de façon à former un triangle. Les microphones miniatures sont dans les oreilles de la preneuse de son, en mouvement : élévations rapides devant les HP, tourbillons…

4/ La petite hirondelle
Cello : Soizic Lebrat
Voice : Alice Duchêne
Microphones in Soizic’s ears

5/ Dispositif BACH : Sarabande
Danse and ears : Alice Duchêne

6/ Sol #2 – (4’) / by Anne-Laure Lejosne
Dispositif de captation binaurale sur les oreilles de la violoncelliste et sur la danseuse Juliette. Quelques superpositions des 2 captations.
Cello : Soizic Lebrat
Voice : Alice Duchêne
Flute : Anne-Laure Lejosne

7/ Dispositif BACH : Gigue
Danse and ears : Alice Duchêne

8/ Sol#1#2#3 – (3’35) / by Soizic Lebrat

———

Le binaural est une technique d’enregistrement cherchant à reproduire la perception sonore naturelle humaine. En quelques mots, l’écoute binaurale consiste à reproduire un espace tridimensionnel en reproduisant les indices qu’utilise notre cerveau pour situer les sons dans l’espace (latéralité, profondeur, élévation). Ces indices de localisation spatiale découlent, comme pour les couples microphoniques stéréo, de différences de temps et d’intensité, mais également des transformations spectrales qu’opère la morphologie de l’auditeur.
La captation binaurale propose donc de reproduire le champ sonore induit au niveau des oreilles de l’auditeur/preneur de son, en prenant en compte sa morphologie. Concrètement il s’agit de placer deux microphones miniatures dans le creux de l’oreille du preneur de son. Pour bénéficier de la sensation d’immersion que procure le binaural, le port d’un casque est obligatoire !

« Radiophonium » est un projet en cours de construction, élaboré par la violoncelliste Soizic Lebrat et Anne-Laure Lejosne à la prise de son. Ce projet musical protéiforme place, au cœur de l’écriture, l’écoute des performeurs grâce à cette fameuse technique de l’enregistrement binaural, à savoir 2 micro miniatures glissés dans nos oreilles. L’auditeur se retrouve alors dans les oreilles des performeurs. Il entre dans l’intimité du musicien(ne) ou du danseur(se). Une façon de mettre l’oreille à nu et de donner accès à ce qui met en mouvement le performeur, avec l’espoir de percer un peu de ce mystère de l’écoute…

http://soiziclebrat.eu/radiophonium/

“Pourquoi le moustique, il mange le sang
de nous et pas des pâtes ? (Why mosquitos eat our blood and not pasta?)
Pourquoi quand je regarde par la fenêtre,
elle bouge la maison ? (Why, when i look out the window, the house is moving?)
Pourquoi les lapins qui courent, ils sont en poils
et ceux qu’on mange, ils sont en viande ? (Why the running rabbits are made of furs but those we eat are meat?)
Pourquoi les fleurs, elles défleurissent ? (Why flowers unflowered?)
Où j’étais avant d’être dans ton ventre ? (Where am i before growing inside you?)
Avant moi, y’avait quoi ? (What’s before me?)”

Avant moi (Before me) is a play for kids created in october 2017 by the theatre company Rachel Mademoizelle.It’s about origin of life, creation of the planets, life on earth and evolution (in the darwin way) until our birth. Inspired by a same title childbook by drawner Emmanuelle Houssais it’s a tiny tale for 3 – 6 aged. Annaïck Domergue did the script and played, Henri Landré made the sound, played live each time, with parts of improvisation and accident (as life).
This is a radiophonic version of the play without any words (except the introduction), just trying to make sense about the evolution with sounds only.
Contains samples by Pierre Henry, David Hykes, Rafael Toral & Chris Watson. Introducing Misha Landré Domergue.

(english below)

Nom de Code : Villa B par Christophe Havard & Fabrice Arnaud-Crémon pour Jet FM (Nantes, FR)

Composition pour dispositif électro-acoustique et clarinette, enregistrée en binaural pendant le festival Sonor le 15 octobre 2016 à Nantes.

La rencontre d’un espace et l’évidence d’une obsession.
L’espace est un bunker, situé à Saint Marc sur mer, dans lequel Christophe Havard a longtemps enregistré seul ou parfois accompagné, notamment du clarinettiste Fabrice Arnaud-Crémon. Il extraira de ce lieu les éléments sonores qui constituent le corps principal de la composition : des sons épais et harmoniques dus aux matériaux métalliques incrustés dans l’architecture, des jeux plus subtils d’espaces révélés par les effets de résonance, des évocations de présences humaines (respirations, déplacements, souffles, voix hésitantes,…).
“Quand j’enregistre dans un espace tel que celui-ci je le considère comme un personnage de fiction. Je le guette, il me hante, nous nous tournons autour. Ses sols et ses murs deviennent organiques, lentement je les lèche de mes oreilles: sans le son, que serait l’architecture, quelle notion aurions-nous des distances, des mouvements, des textures, de la densité de l’air ? D’où l’obsession, toujours la même. Vouloir baigner à l’intérieur d’un chant sonore qui caresse le corps. J’aime quand le son me touche, parfois avec effleurement et parfois avec force. Le son est à la fois une masse et un souffle sensuel. Ici, l’espace est révélé par un clarinettiste marcheur, écoutant et souffleur. Il nous montre le lieu, joue avec, l’accompagne, se laisse porter par lui et s’y perd. Et si ces espaces sonores se mettaient à jouer de nous, à créer un léger chaos, à devenir des miroirs déformants, des réalités improbables.” Christophe Havard.

Pour que l’expérience d’écoute soit enveloppante, en relief et sensible, le spectateur est plongé dans le même espace que celui des deux musiciens. Le clarinettiste est mobile, jouant à la fois sur les propriétés acoustiques de son instrument ou du lieu et sur les effets d’espace offerts par la captation et le traitement audio. L’électroacousticien créé un dialogue par le son instrumental qu’il place sur les différents points de diffusion et le mixage en live des phonographies.
Quelques lumières posées au sol et programmées selon les mouvements de la composition accentuent l’effet d’immersion en proposant une écoute dans une relative obscurité.

Christophe Havard
A la fois compositeur (musique électroacoustique et instrumentale), interprète, improvisateur et artiste sonore, il commence sa carrière comme saxophoniste de jazz et se dirige progressivement vers l’improvisation et l’expérimentation sonore. Depuis une quinzaine d’années il réalise des installations sonores et des pièces électroacoustiques et radiophoniques. Ses créations s’attachent à l’espace sonore, la qualité du timbre, la notion de mémoire et l’éclatement des frontières stylistiques.
Pour lui, le contact du son sur le corps est fondamental, que ce soit dans une démarche sensuelle et délicate (souffle, voix, déplacement ou jeux d’espace, nuances, …) ou massive voire brutale (puissance, mise en vibration de matériau, épaisseur du spectre sonore, détonations, …).

Fabrice Arnaud-Crémon
Clarinettiste depuis l’âge de huit ans, Fabrice Arnaud-Crémon a notamment été l’élève de Michel Arrignon et d’Alain Damiens à Paris. Il s’intéresse à toute la richesse des pratiques liées à son instrument, que ce soit à travers le répertoire (Mozart, Weber, Brahms, Debussy, Stravinsky, Messiaen, Boulez, etc.), les transcriptions (celles de Julien Opic, de Sylvain Blassel ou de
Gérard Chenuet), ou encore la création contemporaine (œuvres de Philippe Boivin, Nicolas Frize, Julien Opic, Sylvain Kassap, Christophe Havard, Arturo Gervasoni, Benoît Granier, Jérôme Joy, Christian Wolff, Keith Rowe, François Rossé…).
Sa curiosité artistique l’amène à se produire dans des contextes très variés et parfois insolites, qui privilégient souvent le jeu en petite formation ou en soliste.

—————————————————————————————————————————————-

Radia Show 617
Code Name : Villa B by Christophe Havard & Fabrice Arnaud-Crémon for Jet FM (Nantes, FR)

A composition for clarinets and electroacoustic devices, recorded with the binaural technology during the Sonor festival in Nantes, on October the 15th 2016.

The encounter of a space and an obsession!
The space is a bunker from Saint-Marc sur Mer, inside which Christophe Havard has started to record the sound alone or with the clarinet player Fabrice Arnaud-Crémon. He collected in these huge rooms the sound materials for his composition : some thick harmonics generated from iron structures, the clarinet with some strange reverb effects, some subtle motions of footsteps, voices and breath,…
When I record sounds in such a place, I consider its empty spaces as fictional characters! First, I gaze at them till I can feel them in my whole body. Gradually, the floors and the walls become like an organic structure that I slowly catch with my ears… I am convinced that, without the sound waves, the architecture would not exist: how could we feel the distances, the motions, the textures and maybe even the air density? Then, here comes my obsession, always the same: the desire to go through a sound which caresses my body. I feel so good when the sound affects me with delicacy or sometimes with a strong strength. I want so much to share this sensation with the audience. In this composition, the empty spaces also exist because one day, inside it, the clarinet player walked, breathed, played all kind of strange games and he ended up losing himself. And now, on stage, the games carry on and become unlikely realities and sound distorting mirrors.” Christophe Havard

In order to have a good experience of listening, with a surround space, some relief and more sensibility, the audience is set up on the same stage (or the same place) than the 2 musicians. The clarinet player often moves from one point of the stage to another. Thus he can play with the acoustic features of his instrument in interaction with the room. The electroacoustic player creates a relationship with the music of the clarinet, which he sends on different speakers, and the phonography mixed in live.
Some lights controlled by the Max / MSP program are placed on the floor. According to the movements of the composition, these lights provide a deeper sensation for listening to the music.

Christophe Havard
Composer (of electroacoustic and instrumental music), performer, improviser and sound artist, he began his career as a jazz saxophonist and progressively moved towards improvisation and sound experimentation. For fifteen years or so, he has been creating sound installations and electroacoustic and radiophonic pieces. He has been the guest at sound field residencies.
On stage or in his sound installations and compositions, we can find in Christophe Havard’s creations an interest for sound surroundings, the quality of timbre, the notion of memory and the opening up of stylistic forms.

Fabrice Arnaud-Crémon has been playing the clarinet since the age of eight. He studied notably with Michel Arrignon and Alain Damiens in Paris.
He is interested in all the possibilities of his instrument going through a large range of original repertory (Mozart, Weber, Brahms, Debussy, Stravinsky, Messiaen, Boulez, etc.) and transcriptions (Julien Opic, Sylvain Blassel, Gérard Chenuet). He often takes part to contemporary music (Philippe
Boivin, Nicolas Frize, Julien Opic, Sylvain Kassap, Christophe Havard, Arturo Gervasoni, Benoît Granier, Jérôme Joy, Christian Wolff, Keith Rowe, François Rossé…).
His artistic curiosity brings him into unusual contexts where he is used to playing chamber music or as a solist.

Homme d’image, plasticien de formation, le son est pour moi une matière texturée épousant l’espace et le temps. Sons électroniques ou concrets, rencontre de l’aléatoire et du cycle, va et viens entre structures dodécadécimales et jeu de fréquences natives des sons malaxés, jeu de spatialisation des sources sonores pour l’auditeur contribuent à un paysage singulier et expressif.
Ma rencontre avec Evelyne Jolivet, chorégraphe, a été l’occasion d’appliquer cette approche sonore à son projet de triptyque de danse contemporaine “la pierre du vivant”, étendu à 5 tableaux dansés.
Dans cette collaboration, au delà de l’expression au service de l’intention poétique du chorégraphe, des questions se sont vite imposées : Comment avancer ensemble, Evelyne Jolivet dans son écriture du mouvement, moi dans la construction de ma réponse sonore ? Comment composer dans l’espace scénique et dans le temps imparti au corps humain (les danseurs) ?
Une approche commune de la création et de nombreuses étapes (itérations) ont contribué à l’aboutissement de ce projet : Evelyne et moi accueillons les aspérités, ruptures, accidents et autres imprévus de la matière de l’un comme de l’autre. Il en résulte un spectacle aboutis et caractérisé …une expérience stimulante.
Après quelques essais fructueux de part et d’autre, Evelyne et moi développerons ensemble quelques performances improvisées et y combinerons d’autres disciplines.

Merci à Anne-Laure Lejosne (JET FM) pour ce montage et cette invitation à la diffusion.

http://queru.net/blog/category/musique/

crédits photo : Paul Pascal

www.jetfm.asso.fr

————————————————————————–

“Man of image, trained as a visual artist, the sound is for me a textured material which moulds space and time. Electronic or concrete sounds, meeting of random and cycle, back and forth between dodecadecimal structures and games of mixed sounds native frequency, games of sound sources for the audience to contribute to a singular and expressive landscape.

My meeting with Evelyne Jolivet, choreographer, was the opportunity to put this sound approach into practice to her project of contemporary dance trilogy “la pierre du vivant”, spread out to 5 dancing scenes.

In this collaboration, above the expression serving the choreographer poetic intention, some questions were quickly asked: How to keep on going together, Evelyne Jolivet with her movement writing, me in my sound answer building ? How to compose in the stage area and in the timing allowed to a human body (the dancers) ?

A common approach of creation and several steps (iterations) contributed to this project completion : Evelyne and I are welcoming the sharpness, breaks, accidents and other material mishaps from the one to the other. It follows an accomplished and distinctive show… a stimulating experience.

After few prolific trials here and there, Evelyne and I will be developing improvised performances adding to it other disciplines.

Thank you Anne-Laure Lejosne (JetFM) for this mounting and invitation for diffusion.”

http://queru.net/blog/category/musique/

crédits photo : Paul Pascal

www.jetfm.asso.fr

(French below)

CANTO IV

Electro acoustic composition for radiophonic broadcast

Golem Mecanique : Voice , magnetic tape recorders device, drone box
Antoine Lang : Voice, reading
Alexis Degrenier : Mixing and mastering

I walked for a long time with Dante on my mind
Wandering in the infernal circles was for me a true allegory of my perpetual search of meaning.
In Canto IV, I chewed the words, I drew a new topography of the circles, I distorted the speech.
A work that I started years ago with”Inferno”, a reinterpretation of sound process and over recording from and that I used in Canto IV
I invited Antoine Lang a Swiss artist who works on the destruction and organic manipulation of the spoken, sung , whispered sound.
His guttural appearances intensify the idea of a perceptible hell.
An invisible forest. A tense contemplation.
———————–

CHANT IV

Pièce electro-acoustique pour diffusion radiophonique.

Golem Mecanique : Voix, dispositif magnétophones à bandes, boite à bourdons
Antoine Lang : Voix et lecture
Alexis Degrenier : Mixage et Mastering

Longtemps je me suis promenée avec Dante dans mon esprit.
La déambulation dans les cercles infernaux était pour moi la juste allégorie de ma recherche perpétuelle d’un sens.
Pour Chant IV , j’ai remâché les mots, j’ai redessiné la topographie des cercles ,altérant la parole . Un travail que j’ai commencé depuis quelques années avec notamment “Inferno ” , un travail de réinterpretation du procédé de sur-enregistrement d’Alvin Lucier et dont je me sers dans Chant IV.
J’ai convié Antoine Lang un artiste suisse qui travaille sur la destruction et la manipulation organique du son chanté, parlé, murmurée.
Ses apparitions gutturales renforcent l’idée d’un enfer perceptible.
Une forêt invisible. Une contemplation tendue.

Pour l’émission 514, Jet FM donne Carte Blanche à Julien Quentel, plasticien nantais. Voici ce qu’il m’écrit à propos de sa pièce “La Promesse” 2008-2015 réalisée pour Radia :

—Salut Anne-Laure
Tout cela restera bien énigmatique, comme l’est d’ailleurs le noir de la nuit!
je n’ai rien à revendiquer, ni la prise de son, ni la technique, ni même un lien affectif avec le lieu…
rien de tout ça, juste ce qui reste à l’écoute, que l’univers est dans la nuit.—

http://www.reseaux-artistes.fr/dossiers/julien-quentel

** English version**
For the Radia Show n°514, Jet FM gave “carte blanche” to Julien Quentel, visual artist from Nantes. This is what he wrote me to present his piece “The Promise” 2008-2015 :

—Hi Anne-Laure
All this will remain well enigmatic, as the dark of the night !
I have nothing to claim neither sound recording, nor technology, or an emotional bond with the place …
none of this, just what is left to listen, that the universe is in the night.—

http://www.reseaux-artistes.fr/dossiers/julien-quentel

www.jetfm.asso.fr